RENÉ MAGRITTE

René François Ghislain Magritte nace en Lessines, Bélgica el 21 de noviembre de 1898. Tras el suicidio de su madre en 1912 se traslada a Charleroi, donde estudia el bachillerato y se entusiasma con las películas de Fantasmas. Cursa estudios en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y en 1922 se casa con Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le sirve de modelo.

Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Al año siguiente participa en la primera exposición colectiva de los surrealistas en Paris, donde frecuentó el círculo surrealista, que incluyó a Jean Arp, André bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en el estilo que predominó a lo largo de su larga carrera. Vuelve a Bélgica en 1930.

Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico.

DRACULA

Dracula es una pelicula de terror realizada en 1931 por   Tod Browning en donde se juega constantemente con los contrastes entre negro y blanco. El negro es utilizado para las escenas de suspenso, en tanto que el blanco se usa permanentemente cuando hay quietud en el rodaje.

 El maquillaje al igual que sus gestos son proiminentes, pues debido a la tecnología de aquel tiempo los actores debían realizar por sí solos algunos efectos especiales que causen sensación en quien los veía. A esto se suma la incorporación del sonido a los films, especialmente en éste cumple la función de matizar las imagenes y causar estremecimiento en las escenas donde dracula quiere beber la sangre de las damiselas. 

EL CUBISMO

El cubismo es un estilo de la pintura contemporánea, un concepto estético, una manera de expresar la realidad. Algunos consideran que el cubismo se originó por la influencia del pintor francés Paul Cezanne quien reducía los volúmenes de los objetos a elementos geométricos básicos como el cilindro, el cubo y la esfera, introduciendo los elementos precursores del cubismo (1905-1907).

Esta tendencia artística trataba de simplificar las estructuras de la naturaleza mediante modelos, hecho novedoso en el arte pero común en la ciencia, particularmente la física. Se trata de un acercamiento, por aproximaciones, al conocimiento de la realidad.  Pablo Picasso y George Braque son considerados como los iniciadores de este movimiento pictórico.

DOLOR EN EL PAÍS

Quino por medio de la historieta realiza una crítica  a la situación del país. La inconformidad con el gobierno y los "representantes" del pueblo. El gráfico puede destacar un hecho historico crítico de la sociedad, en donde no se muestra el dolor individual, sino el dolor colectivo; sin embargo la solución planteada por el doctor no es la correcta. Lo que se debe realizar en esas circunstancias es un cambio total.

QUINO

Quino presenta en la historieta las repetidas ocaciones en las que las personas no forman sistematicamnete sus tratados o escritos, causando confusión a quines los leen. El fin de un texto es la posibilidad de dar a conocer algo, pero a la vez que conserve un orden para que quien lo lea pueda entenderlo claramente.

BERNHARD WICKI

Actor, director y guionista austriaco nacido el 28 de Octubre de 1919 en Saint Polten. Figura clave del cine alemán de post-guerra, cuya preocupación con la historia alemana reciente anticipa el Nuevo Cine Alemán. Como actor, sus memorables papeles incluyen un partisano yugoslavo en el filme antibélico de Helmut Kautner THE LAST BRIDGE (1954), uno de los oficiales conspirando contra Hitler en la película de G. W. Pabst IT HAPPENED IN BROAD DAYLIGHT (1956) y el amigo moribundo del filme de Michelangelo Antonioni LA NOCHE (1961). Después de un lapso de 15 años reapareció actuando en 1976 en papeles de soporte. Trabajó en PARIS TEXAS (1984) de Wim Wenders. Como director ganó renombre internacional con el filme antibélico THE BRIDGE (1960) y fue nominado mejor director en Berlín por THE MIRACLE OF MALACHIAS (1961). También dirigió la sección alemana de la película épica sobre la Segunda Guerra Mundial, EL DIA MAS LARGO DEL SIGLO (1962) y el thriller de espías con Marlon Brando THE SABOTEUR, CODE NAME MORITURI (1965). Más recientemente filmó dos películas adaptadas de Joseph Roth: THE WANTING WEIGHT/DAS FALSCHE GEWICHT/THE FALSE WEIGHT, acerca de la caída de la dinastía Hapsburg, y THE SPIDER'S WEB (1989), sobre el nacimiento del nazismo. Su esposa, la actriz Agnes Fink, ha aparecido en películas de varios directores, incluyendo a su marido y a Margarethe von Trotta.

El nombre de Wicki siempre aparecerá apegado a la dirección del largometraje El Puente (1959), aunque sus fotografías bien merecen un apartado, al igual que su labor como director de fotografía y de actor.

Sus imágenes registradas en París, todavía con tino autodidacta, aluden a los márgenes, a vagabundos, a las sombras en el mercado de Les Halles y el Sena, lejos de las avenidas glamorosas. Esa seña está presente también en su obra posterior: la intuición, la exposición a la luz en una fracción de segundo. Pero también la influencia del neorrealismo italiano en la posguerra y los retratos íntimos de sus amigos, cuidados hasta el mínimo detalle.

ULRIKE OTTINGER

Ulrike Ottinger es un reconocido director de cine del mundo, el fotógrafo con su trabajo que se extiende en el teatro. Ottinger was born in Konstanz, Germany June 6, 1942. Nació en Constanza, Alemania 06 de junio 1942. Not confined to any one medium or trope (some of her films even interweaving documentary and narrative styles), she has been recognized as one of the leading female filmmakers and won awards from the Montreal Film Festival, Bundesfilmpreis and German Film Critics. No se limita a cualquier tipo de soporte o un tropo (algunas de sus películas, incluso documental entrelazamiento y estilos narrativos),  ha sido reconocido como uno de los cineastas mujeres líderes y ganó premios en el Festival de Cine de Montreal, Bundesfilmpreis y críticos del cine alemán.

 La fotografía es un campo en el que Ottinger experimenta de manera constante y del que se sirve para documentar y registrar el mundo que la rodea. Sus cuadernos constituyen en sí una pieza de exposición, están conformados con fotografías, postales y otros documentos gráficos que utiliza para los guiones de sus películas

Comenzó su visión artística como un artista de estudio, primero como estudiante visitante en la Academia de Arte de Munich en 1959 y luego por trabajo independiente en París, mientras que la formación en el taller de grabado Johnny Friedlaender desde 1962 hasta 1968. Between exhibiting her work and studying etching, Ottinger was able to attend lectures at the Sorbonne including those by Pierre Bourdieu, Claude Levi-Strauss and Louis Althusser. Entre exhibiendo su trabajo y el estudio de grabado, Ottinger fue capaz de asistir a conferencias en la Sorbona, incluidos los de Pierre Bourdieu, Claude Lévi-Strauss y Louis Althusser. She developed her first screenplay in 1966 called Die Mongolishe Doppelschublade (“The Mongolian Double-Drawer”). Ella desarrolló su primer guión en 1966 'Die Mongolishe Doppelschublade ("El Mongol doble cajón").

EL SURREALISMO

A partir de un fenómeno artístico cultural como fue Dadá (crítica a la razón) el surrealismo empieza en 1924 en París. Allí, el escritor francés André Breton publica el Primer Manifiesto del Surrealismo y define el nuevo movimiento como "automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento". En principio era un movimiento de y para escritores, pero de inmediato se vislumbraron las enormes posibilidades que tenían para la pintura y la escultura. Pronto se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista.

De una parte hubo pintores que seguían defendiendo el automatismo como mecanismo libre de la intervención de la razón; entre los más destacados están Joan Miró y André Masson. De otra, el surrealismo adquirió cada vez más fuerza, pues se empezó a creer que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Sin duda, Salvador Dalí llevaría al límite el poder rupturista de la figuración, pero también cabría mencionar a René Magritte, Paul Delvaux o Yves Tanguy, éste último más interesado en las formas viscosas, líquidas.

El arte surrealista investigó nuevas técnicas, como el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito o la pintura automática. También se interesó el surrealismo por la expresión de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado. El arte de los pueblos primitivos, el arte infantil, de los dementes o de los aculturizados fue revalorizado desde entonces.

EL COLOR DE LOS ANDES, SALVADOR BACON

“Hombres, flores, guitarras y palomas acompañan a seres que irradian la luz más simple y pura, quiero poner en las figuras un fragmento de luz que refleje al mundo con su luz propia”.

Salvador Bacon nace en el cantón Guamote, Chimborazo,  el 27 de julio de 1945. Sus estudios los realizó en el Colegio de Artes Plásticas en la Universidad Central del Ecuador, y continuó sus estudios en la Facultad de Artes de la misma Universidad.

La idea de pintar surge tras una decepción amorosa, pues a través del dibujo quiso recuperar el color de la vida, el sentido del amor. Fiel testimonio de este romance frustrado son los murales que plasmó en las paredes de la Iglesia Cristo Salvador en la Ciudad de Quito, la Ascensión de la Virgen” y la Ascensión de Jesucristo.

La temática de su trabajo pictórico gira alrededor de la identidad del Ecuador, en sus composiciones son reiterados los íconos del mestizaje  en los que las tradiciones y creencias de la cultura andina cobran cielos y alas. Para Marco Antonio Rodríguez la obra de Bacon se resuelve en una figuración arrancada de sus reminiscencias y de sus frecuentes acercamientos a lo popular.

LA FUENSATA, DE JULIO ROMERO

Julio Romero de Torres, pintor español,  nace en Córdoba en 1880, hijo del reconocido pintor Rafael Romero Barros. Julio comenzó su aprendizaje bajo las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a los 10 años. En el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y de 1904, donde fue premiado con la tercera medalla.

El pintor en sus inicios se vio orientado al realismo melodramático; sin embargo posteriormente adoptó una línea nacionalista y folclórica, éste se trato de un estilo en el que predomina la mezcla del retrato realista con un cierto aire idealista que sitúa a sus figuras en un vago halo intemporal. Utilizo las características femeninas como un arquetipo de belleza. Zueras Torrens define a la obra de Romero como un conjunto de  simbolismos, que poseen precisión de forma y dibujo, luz suave en ropajes y carnes, además de una extraña luz en los escenarios - Poética artificiosidad de escenarios.

Entre las obras más destacadas de este maestro figuran Amor místico y amor profano, El Poema de Córdoba, Marta y María, La saeta, Cante hondo, La consagración de la copla, Carmen, y por supuesto, La chiquita piconera o El retablo del amor.